Estamos a la mitad de 2025 y el marketing musical no para de evolucionar a pasos agigantados debido a avances tecnológicos como la incorporación masiva de la I.A., cambios en el comportamiento de los oyentes y la transformación de las plataformas de streaming. La excesiva accesibilidad que propone la era digital conlleva a una inevitable saturación de contenido porque cada día se lanzan docenas de miles de canciones nuevas (ni hablar de las que están hechas con I.A:) y destacar se hace muy complicado.
Frente a la sobreabundancia de canciones y artistas, los algoritmos de descubrimiento siguen mejorando, pero no garantizan visibilidad a menos que los artistas adopten estrategias menos clásicas y más acordes a los tiempos que corren. En este contexto, triunfar requiere combinar creatividad y un uso inteligente de la tecnología para lograr un alcance real tanto en redes sociales como en Spotify.
Para destacar en la industria musical actual tenés que lograr implementar estrategias adaptadas a cada género y plataforma, porque Instagram, TikTok y YouTube tienen maneras muy distintas de operar en cuanto al o que el público busca y cómo utiliza las apps o plataformas web.
Teniendo todo esto en cuenta, te voy a presentar una guía adaptada a los artistas independientes y las posibilidades que pueden darse a la hora de diseñar una estrategia de marketing musical:
La marca personal en la música
En un mercado así de saturado, la marca personal del artista es fundamental para diferenciarse. No se trata solo de música, sino de crear toda una identidad única y reconocible que conecte con el público. ¡La gente no es tonta, no te copies!
Hay artistas tanto emergentes como consagrados por igual que trabajan constantemente en posicionar su estética visual, su narrativa y su presencia en redes para destacar cuando lanzan música. Un popular ejemplo es el productor argentino Bizarrap, quien ha sabido construir y sostener un personaje en torno a sí mismo con elementos muy definidos: sus icónicas gafas oscuras y gorra con logo.
Él mismo ha reconocido que “nunca fue necesario que yo muestre mi cara para que le vaya bien a mi producto” y que el misterio en torno a su figura atrajo aún más la atención del público. Cada lanzamiento de Bizarrap, las BZRP Music Sessions, viene acompañado de expectativas virales gracias creativas y originales campañas que juegan con la sorpresa y la participación de los fans (como pedir 23 millones de comentarios para lanzar una colaboración con Paulo Londra). Detrás de su éxito hay una estrategia de storytelling y branding tan sólida que muchas agencias de marketing quisieran poder emular.
Más allá de casos estrella, el principio es claro: hay que construir una buena y consistente historia alrededor de tu música. Estudios recientes resaltan que la originalidad y honestidad importan más que un gran presupuesto publicitario. Las nuevas generaciones no quieren publicidad, quieren artistas genuinos con los que puedan identificarse de manera más cercana, más terrenal. Una narrativa bien elaborada construye relaciones duraderas, haciendo que los seguidores se sientan parte del mundo del artista y eso se logra en las redes con un trabajo constante de contenido. Aquellos músicos que logran forjar una marca personal fuerte, con una estética y mensaje coherentes en videoclips, portadas, discursos, historias, publicaciones y shows, se diferencian inmediatamente.
Uso de la Inteligencia Artificial
Supongo que ya estamos todos metidos en la locura de usar ChatGPT al menos para pedir que nos tire el tarot (pun intended). También fueron apreciendo centenares de otras I.A. para competir, para generar imágenes, para crear memes, etc. Esto significa que también sirve para hacer marketing musical. Quizás no de la manera en que estás pensando… Yo no estoy afavor de “crear planes” así porque sí. ChatGPT no te conoce de verdad, no te puede decir qué necesitás realmente.
Dicho esto, en el plano meramente creativo, hoy existen muchas IA capaces de generar música, imágenes, videos y textos de forma rápida, lo que puede llegar a ser una ventaja para los artistas independientes que cuentan con recursos limitados.
Amper Music es un ejemplo notable porque permite componer pistas musicales originales a partir de parámetros definidos (género, estado de ánimo, instrumentos) sin necesidad de profundos conocimientos de teoría musical. No te estoy diciendo que la uses para lanzar música creada acá, sino que puede servir como instrumento para saber cómo están entrenadas las inteligencias artificiales y por qué ofrecen el sonido que ofrecen.
Un artista independiente puede usar Amper u otras IA musicales para tomar ideas sobre tendencias y producir su propia música con ideas más frescas y de forma económica. Algo interesante que tiene la I.A. es que siempre genera nuevas iteraciones de cualquier prompt que se repita por temas de copyright, así que, en cierto punto, siempre vas a poder “crear cosas nuevas” y usarlas como punto de partida para TU contenido.
El análisis de datos
En cuanto al marketing y la distribución en sí mismos, la IA facilita el análisis masivo de datos de plataformas de streaming y redes sociales en principio. Hay algoritmos inteligentemente programados que pueden detectar tendencias de consumo y prever qué canciones tienen más potencial de convertirse en hits, ayudando a los artistas y sellos a enfocar sus esfuerzos en los temas más prometedore. También se emplean bots y asistentes virtuales para la interacción con fans (automatizando respuestas frecuentes o enviando newsletters personalizados) e incluso para optimizar la compra de publicidad digital (segmentando la audiencia ideal con mayor precisión). Esto significa que estamos compitiendo contra maquinarias enormes de análisis que pueden otorgar resultados precisos en poco tiempo.
La parte creativa de un artista
Es importante destacar que la IA no reemplaza la creatividad humana (todavía), pero sí potencia al artista o emprendedor que la aprovecha. Por ejemplo, un músico puede generar 20 ideas de portada de álbum mediante ChatGPT Plus y luego elegir la que mejor representa su visión para pulirla con un diseñador o con sus propias habilidades. O puede analizar qué playlist de Spotify sería más receptiva a su nuevo sencillo y enfocar ahí su campaña de pitching.
Con esto también hay desafíos: el uso de IA en la música plantea preguntas sobre derechos de autor y autenticidad. Ya hay casos de canciones “compuestas” por IA que imitan a artistas famosos, generando debates legales. En 2025, algunas distribuidoras incluso están dudando en aceptar composiciones enteramente creadas por IA y también han añadido un apartado, como Symphonic, en el que hay que decir si la IA ha participado en la creación de la música o la portada. Por lo tanto, la recomendación es usar la inteligencia artificial como complemento de tu creatividad, para agilizar tareas, descubrir oportunidades ocultas en los datos y ampliar tu alcance, manteniendo siempre el sello personal humano en tu música.
Y sí, te nombré a ChatGPT Plus porque te permite más y mejor razonamiento que la versión gratuita.
Estrategias de Lanzamiento: Single, EP y Álbum
Cada vez más se prioriza una secuencia de lanzamientos frecuentes en forma de singles por encima de largas esperas para publicar un álbum completo. En 2025, es común que un artista publique una serie de sencillos que culminen en un EP o álbum porque esta táctica mantiene el interés de los oyentes de forma sostenida y juega a favor del algoritmo de las plataformas. La teoría más aceptada es que los artistas nuevos deben sacar singles regularmente para fidelizar a su público, testeando el terreno antes de un proyecto mayor como un álbum.
Existe también la estrategia de lanzamientos acumulativamente sucesivos llamada “estrategia en cascada”, la cual evita largos periodos sin novedades y explota la dinámica de las plataformas de streaming, ya que para cad lanzamiento de algo nuevo, se republican canciones anteriores. Spotify premia la constancia. Su algoritmo busca aportar crecimiento sostenido a los artistas que no tienen caídas bruscas en el número de streams u oyentes. Lanzar música de manera continua mantiene tu presencia en playlists algorítmicas como Radar de Novedades y puede hacer que el sistema muestre más tu contenido.
Una ventaja clave de publicar varios sencillos seguidos es la posibilidad de promocionar cada canción por separado. Cada single es una oportunidad nueva de aparecer en los 3 tipos de playlists que tiene Spotify, además de darle su protagonismo a cada uno. De hecho, las playlists algorítmicas se ven favorecidas: utilizando la estrategia de sencillos sucesivos tenés más probabilidades de caer en el Radar de Novedades de tus seguidores y en el Descubrimiento Semanal de usuarios afines, lo que puede disparar tus reproducciones orgánicamente y de manera sostenida.
Ahora bien, esto no significa que los álbumes hayan muerto. Un álbum sigue siendo una declaración artística importante y una experiencia más completa para los fans. En el mainstream se siguen sacando álbumes todos los años de manera ininterrumpida. La recomendación es planificar cuidadosamente la campaña previa y posterior al álbum, apoyándote en los singles para pavimentar el camino incluso metiendo algunas colaboraciones y reversiones de tus canciones. No todo debe ser tan estático o lineal.
Marketing musical para tu álbum
De acuerdo con mi propia experiencia, te puedo recomendar que planifiques una serie de lanzamientos periódicos, más o menos, cada 4 a 6 semanas durante varios meses. Cuando hayas podido medir realmente cuáles son las canciones que mejor funcionan (más algunas nuevos) ahí ya vas a poder armar más tranquilo el tracklist de tu álbum.
Utilizá la estrategia del pre-save antes de cada lanzamiento importante. No te recomendaría que insistas con todos los lanzamientos si todavía no tenés una gran base de fans. El pre-guardado te puede servir para dos cosas: la obvia, dar a tus oyentes por anticipado tu canción, logrando que aparezca automáticamente en sus bibliotecas en cuanto salga y, por otra parte, te puede dar ese valor percibido que estás buscando. Si una o dos estrategias de pre-save funcionan bien, vas a dar por seguro que las reproducciones aumentarán sorpresivamente. Pero no te detengas, es solo el comienzo de nuevas responsabilidades: superar esas reproducciones en futuros lanzamientos. Revisá siempre tus datos en las playlists algorítmicas, te van a dar la información que necesitás para tu próxima campaña de pre-save.
Igualmente, cada sencillo (previo al álbum) debe tener su propio empuje. Tu narrativa de las redes sociales debe girar en torno a ese concepto en específico y también para cada canción. Es menester que trabajes en el concepto que le querés dar al álbum mucho antes de largar todos los sencillos y solamente “ver qué pasa”. Mientras vas lanzando cada 4 a 6 semanas una nueva canción, te permite tener una ventana de tiempo para enviar también el comunicado de prensa a medios de comunicación que puedan comenzar a tener en cuenta tu trayectoria y tus objetivos artísticos. Si, por ejemplo, vas a lanzar a fines de agosto una nueva canción, el comunicado debe ser enviado la semana anterior y luego cerca de la fecha podrías recibir tus primeros feedbacks.
Las analíticas detalladas de Spotify para Artistas tienen que permitirte sentarte a evaluar el rendimiento de cada sencillo de manera objetiva, más allá de tus gustos personales. Observá cuál canción generó más interacción y, sobre todo, más ratio de escucha (veces que se reprodujo por persona). También te puede servir observar en qué ciudades o países se está escuchando más y comparar esto con tu público de las redes sociales. Este tipo de datos no son en vano, te ayudan a tomar decisiones informadas, más que nada por si querés emitir publicidad en algún momento. Si un single explota en México y otro pasa inadvertido, podrías enfocar tu siguiente inversión publicitaria o gira hacia la región donde tenés mejor recepción. Este es el trabajo de los agentes y promotores, básicamente. Podés exportar toda la data de Spotify para Artistas y analizarla con ChatGPT Plus para tener un análisis profundo y lógico que te permita tomar las decisiones finales.
Marketing musical para géneros musicales
Cada género musical tiene dinámicas de mercado y públicos particulares, por lo que conviene afinar las estrategias de marketing según el estilo de música que hagas y el “nicho” en el que eso se mueva. Acá te traigo algunas cositas puntuales para algunos de los géneros más relevantes en 2025, junto con ejemplos de artistas que han sabido crecer aplicándolas.
Reggaetón y Pop Latino
Todo aquello que engloba el “pop latino/urbano” continúa siendo uno de los nichos de mercado más populares en América Latina y también en Estados Unidos, por lo que su público, mayoritariamente joven, pero transversal a varias generaciones, es altamente activo en redes sociales y plataformas de vídeo corto, lo que convierte a estas en canales privilegiados de promoción, empleando la estrategia del FOMO (fear of missing out). Esto implica que las tendencias de las redes son las que mandan y, a veces, el mismo mainstream las fabrica para posicionar y empujar a un artista o tendencia determinados.
En el reggaetón, cumbia, hip hop, R&B y géneros similares, las colaboraciones o los invitados (featurings) son moneda corriente y muy buenos para compartir audiencias (oyentes mensuales en este caso). Podrías considerar mirar estadísticas de otros artistas que tengan público objetivo en común con vos y hacer una colaboración que estratégicamente los ayude a los dos. Acá no se trata de beneficiarte vos solo, esto no funciona así. Si es alguien que es muy activo o activa en redes sociales, podés negociar alcance con el contenido a cambio de promover la canción en otros lados.
Muchos hits de reggaetón y similares despegan gracias a bailes virales de TikTok, esto ya lo hemos visto desde 2020. Es vital publicar fragmentos pegadizos de tus temas en estas plataformas y trabajar de manera repetida, es decir, utilizar las partes buenas de tus canciones de manera constante en todos los reels o tiktoks que crees. Cualquier oportunidad debe ser aprovechada para que tu música suene en contenido generado por vos u otros por usuarios. Las canciones que se hacen virales en TikTok luego dominan las playlists de Spotify porque ahora existe una función por la que TikTok te ofrece guardar la canción en tu biblioteca si ya está publicada. ¡Marketing gratis!
María Becerra, joven artista argentina, ha aplicado estrategias muy potentes y con gran éxito. Tuvo una explosión cuando colaboró con estrellas como J Balvin, Tini o Camila Cabello y esto es lo que la puso en el radar internacional. Ella venía construyendo una presencia fuerte desde YouTube antes de ser famosa, así que indudablemente supo aprovechar ese nivel de exposición al máximo, para terminar cantando ni más ni menos hasta con Los Angeles Azules. Es importante que siempre veas con buenos ojos la posibilidad de crecer y realmente llegar a trabajar con ídolos.
En mi historia personal hay varios ídolos con quienes trabajé. Uno es StoneBridge, el rey de la música house de los 90s, creador del clásico “Show me Love”. Él me permitió reversionar otro clásico de los 2000s, “Put ’em High” con el que logramos llegar al #1 de Billboard. Otro gran nombre fue Nelly Furtado, a quien le hicimos un remix con Manuel Riva, un colega hiper-reconocido de Rumania, que confió durante varios años en mi sonido. ¡Todo llega!
Volviendo a María Becerra, ella tiene muchísima cercanía con el público, sabe manejarse y sostener el personaje-artista. Tiene un buen equipo atrás, pero es tarea de ella saber ejecutar todo. Actualmente sigue siendo una de las artistas argentinas más escuchadas justamente por esa razón, el constante posicionamiento que ejerce con la música y con los contenidos.
Trap
Desde que el rock en español se posicionó en los 80s que no sucedía algo así con la música argentina. El trap se consolidó hacia fines de la década de los 2010s entre la juventud que aprecia la música urbana, más allá del reggaetón o la cumbia. Hay una fuerte identidad en cada territorio, como en Argentina, México, Perú, Chile o España, con escenas y lenguaje propio, pero sin abandonar el origen universal del trap norteamericano. Este género es el verdadero mainstream de la nueva era.
El trap se caracteriza por hablar bastante crudo sobre experiencias de vida, de la calle e incluso del amor, además del estilo swag conocido por el hip-hop de hablar sobre logros materiales y personales, además del estilo de vida gangster. Pero hoy en día el público conociendo estas estrategias puede requerir mayor honestidad y que los artistas se dignen a sacar canciones que hablen de su propia realidad más que del swag o el blef que pide el mainstream.
Las estrategias del trap son muy claras: sacar canciones muy seguido, colaborar con muchos artistas y estimular que la propia escena nunca deje de crecer. ¡Aquí ganan todos! Muchos artistas sueltan canciones extra incluso cuando sus álbumes están por salir o recientemente salieron, simplemente para sostener distintos públicos a la vez.
Duki, uno de los pioneros del trap argentino, ha seguido estas tácticas para crecer hasta convertirse en un artista de los más escuchados en el mundo. Desde sus inicios posteaba freestyle tras freestyle en redes, lanzando sencillos constantemente que rápidamente se volvían virales entre la escena local. Su transparencia al hablar de sus experiencias en el barrio de La Boca, sus ambiciones y demonios, conjuró unas cuantas historias que atrajeron a miles de jóvenes que hasta hoy lo bancan. Con el tiempo colaboró con productores top (como Sky Rompiendo en algunos beats) y cruzó al reggaetón/pop en canciones con Bad Bunny, Bizarrap, etc, ampliando su alcance (sí, expandiendo el alcance algorítmico).
Actualmente ronda los 18.2 millones de oyentes mensuales y ha completado giras por España y Latinoamérica. Duki supo entender que para mantenerse en la cima debía no parar de crear, entonces en 2021 lanzó un álbum conceptual, pero al poco tiempo volvió a salir con singles sueltos y este flujo constante mantiene a sus fans siempre atentos. Además, cultiva su imagen de estrella de trap con estética muy cuidada, pero sin perder el tono cercano en redes, donde interactúa con lenguaje coloquial y humor con sus seguidores.
Música electrónica (House & EDM)
La música electrónica abarca muchos subgéneros (house, techno, dubstep, trance, etc), pero en general comparte una fuerte cultura de discotecas y una difusión algo distinta a la música pop/urbana, aunque ciertamente estén ligados (pero es para otro artículo). Para DJs y productores electrónicos, las plataformas especializadas como Beatport siguen siendo cruciales, así como las presentaciones en vivo en festivales y clubes. Las estrategias de marketing en este mundo combinan la promoción digital con la presencia constante en la escena nocturna.
En la música electrónica pertenecer a sellos discográficos reconocidos de algún género puede marcar la diferencia en el mundo de los DJs. Publicar tus tracks con un sello respetado e influyente en cierto nicho, te da credibilidad inmediata entre DJs, radio hosts y oyentes del género. Esto le ha sucedido a muchos artistas nuevos que firmaron con Armada, Axtone o Spinnin’. Estos sellos a menudo se encargan de promocionar los lanzamientos mayormente en la tienda especializada Beatport y en las redes, lo que ayuda a generar tracción de compra y escucha a la vez.
También es un gran negocio la participación en compilados veraniegos o series de álbumes con varios artistas (V.A.) lo cual también expone tu nombre a nuevos mercados junto a otros productores o DJs. Por ejemplo, la DJ brasileña ANNA forjó su reputación lanzando música en sellos techno de primer nivel como Drumcode, compaginando su estilo entre techno melódico y ambient. Esa presencia en sellos top la llevó a reconocimiento global e incluso a aparecer en rankings de la escena, ya que fue “Breakthrough Artist” en los premios Beatport y entró al Top 100 de DJ Mag, algo que a muchos otros les cuesta años.
Beatport es la plataforma más reconocida de ventas y rankings para DJs, aunque también existe Traxsource, en donde yo he conseguido varios #1 en ventas, el tema es que está dedicada a la escena underground o de house fino, enfocándose más en sellos como Nervous, Defected o Ministry of Sound. Conseguir que un track tuyo entre en el Top 100 de géneros tanto en Beatport como en Traxsource aumenta enormemente la visibilidad de cualquier DJ, ya que muchos otros colegas de todo el mundo compran música guiados por esos charts.
Ya que el público en general está acostumbado al streaming, ya no tiene mucho sentido hacer campañas para que “compren la música”, así que podrías separar tus campañas en dos partes: el público que escucha y los DJs/productores que quieren tener tu música en WAV. Beatport también tiene el programa Hype que destaca lanzamientos de sellos pequeños, aunque sea un poco mentiroso ya que siempre aparecen sellos grandes ocupando lugar.
Respecto de festivales, discotecas y DJ sets: ningún marketing en electrónica reemplaza la experiencia en vivo. Tocar en festivales y clubes es tanto una fuente de ingresos como de promoción, porque te permite conquistar gente directamente en la pista. Además ya sabés que la gente filma todo lo que hace en vez de bailar, así que… Tratá de apuntar a eventos importantes, locales primero para hacerte un nombre y luego internacionales. Tanto las comunidades de DJs como las productoras de ventos o agencias de booking pueden servirte para posicionarse poco a poco en una escena súper competitiva. Ahí tendrás que destacarte sí o sí con tu música y tu actitud en la cabina de DJ.
Otra estrategia muy utilizada es la de dedicar tu embudo de marketing a los DJ sets en YouTube, lo que te permite hacer menos contenido en las otras redes y focalizar en que la gente replique pedazos de tus sets, permitiéndote que vean tu desarrollo artístico “en escena”.
Hernán Cattáneo, legendario DJ argentino, es un gran ejemplo. Además de lanzar música propia, cimentó su carrera en la constante presencia en eventos globales y en la publicación de sesiones (Resident, su radio show semanal). Su prestigio internacional se debe a que cada presentación suya ofrece una experiencia con un estilo personal que aún 3 décadas después le hace sostener su nombre. En 2025 sigue encabezando festivales y giras, como su tour Sunsetstrip, demostrando cómo la conexión con el público en vivo y la consistencia en el estilo son pilares de una marca artística duradera en la música electrónica, sea del estilo que sea.
Pop
El pop es un género amplio y versátil que abarca desde baladas hasta fusiones con urbano. Aunque yo más bien diría que el pop siempre fue un concepto, igual que el EDM o ahora lo que llaman urbano. Sigue siendo de los más consumidos globalmente, pero su promoción tiene sus particularidades: es un género muy visual y orientado a las masas, donde la imagen pública del artista y la narrativa son fundamentales.
En el pop, históricamente más que en ningún otro “género”, la audiencia espera un videoclip potente y con mensajes directos, acompañando cada sencillo o colaboración. Un video bien producido puede potenciar exponencialmente una canción pop al hacerla memorable (o “viralizable”) e impulsar su difusión en TV (¿alguien mira esto aún?), YouTube, Instagram, TikTok e incluso Twitch. Invertir en videoclips con buena cinematografía, coreografías, moda y narrativas atractivas es casi obligatorio para destacar en el mainstream, aunque sí, sale mucho dinero. No olvidemos que para la generación Z, YouTube es tan importante como Spotify para descubrir música. De hecho, Spotify ahora emplea videoclips, creo que se entiende. Así que estrenar tu canción con vídeo puede darte doble impacto. Recordá lo que hablamos sobre Bizarrap más arriba.
El concepto del pop se beneficia de la hibridación. Colaborar con artistas de otros géneros puede darte acceso a nuevas audiencias y además refrescar tu sonido. Por ejemplo, en los últimos años vimos muchas estrellas del pop latino aliándose con reggaetoneros. Shakira con Rauw Alejandro para hacer nu disco, Enrique Iglesias con Bad Bunny para un reggaetón, logrando así hits que de otra forma no habrían llegado a ciertos públicos. También existe el pop con electrónica, como hizo David Guetta con Sia, Black Eyed Peas y tantos otros. Aunque es un poco redundante juntar las palabras pop y electrónica en esta época. También el pop con la música regional. No tengas miedo, si sos solista, de incursionar en feats e invitaciones que te saquen de tu nicho habitual. Uno nunca sabe a dónde lo puede llevar la música.
El marketing del pop explota la historia personal del artista por medio de verdades y fabricaciones. Las campañas en las redes sociales están enfocadas al público joven más permeable. Es así que el storytelling está rodeado de mini-documentales, muchos BTS, entrevistas, vlogs y todo lo que permita hacer que los fans vivan su vida para su ídolo, generando constante empatía e ingeniería social. Por eso mismo, no temas al mostrar tu personalidad en TikToks, tweets, lives de Instagram, etc. Podés usar tu humor, mensajes motivacionales, anécdotas, relatos fantasiosos. Siempre que todo esté alineado a la imagen que querés proyectar. Construí una narrativa coherente, si tu álbum gira en torno al empoderamiento, contá historias de cómo superaste dificultades en tu vida. Esto se puede reforzar con campañas de marketing creativo que te humanicen y no te muestren tan dependiente de “querer conseguir streams”. Y para eso, existe mi Academia de Marketing Musical, claramente.
TINI como ex-estrella juvenil argentina y devenida en estrella pop global, ha sabido aplicar estas estrategias en múltiples ocasiones. En cuanto a colaboraciones, expandió su alcance haciendo dúos con artistas urbanos como L-Gante y María Becerra, fusionando pop con cumbia villera y reggaetón, así como con figuras internacionales (“Un beso en Madrid” con Alejandro Sanz). Esto no solo diversificó su audiencia, sino que enriqueció su propuesta musical, más allá de las críticas. Tini también cuida muchísimo la calidad visual de sus lanzamientos: videoclips como “Miénteme” o “La Triple T” acumulan cientos de millones de vistas, mostrando coreografías virales y estilos de moda que marcan tendencia y se expanden en todas las redes.
Tini comparte tanto su faceta artística (ensayos, backstage, composiciones, cambios de look) como personal (su día a día, sus emociones), logrando cercanía de manera muy inteligente con sus fans (“las tinistas”). Gracias a este mix de colaboración, buenos videos y cercanía con el público, Tini ronda los 19 millones de oyentes mensuales en Spotify y se posiciona entre las artistas pop latinas más escuchadas del mundo. Su caso enfatiza la importancia de ser multifacético en el marketing pop.
Indie Rock
El indie rock (y sus derivados alternativos) está formado por gente que suele moverse en circuitos más pequeños que los géneros comerciales. El marketing para bandas indie pone énfasis en la comunidad y el soporte directo de los fans, aprovechando canales alternativos a las grandes masas. Sí, eso que llamábamos underground, ¡básicamente es lo mismo!
La música independiente ha crecido muchísimo gracias a Bandcamp, una plataforma especializada en “comprar la música directamente a los artistas”. Bandcamp te permite vender tu música en formato digital y físico directamente a tu público, así como merchandising (vinilos, remeras) con una comisión mínima y eligiendo tus precios base, es decir, los fans pueden pagarte incluso más. Esto no solo genera ingresos sino también un sentido de pertenencia. Ahora Bandcamp ha lanzado una nueva propuesta de playlists de manera original, solamente se podrán incluir canciones que hayas comprado como usuario, fomentando más la compra y el estilo chart-hecho-por-la-comunidad.
Para una banda indie rock, el vivo es la herramienta de marketing musical más poderosa, tanto tocando como grabándolo. Tocar en cuanto escenario se pueda ayuda a ganar presencia orgánicamente, suponiendo que una banda indie no tiene dineor para costear grandes presupuestos (luego se hacen famosos y se olvidan de lo “indie”).
El circuito underground o indie está presente en festivales culturales, ferias de música, ciclos organizados por radios o centros culturales. Estos espacios reúnen al público que ya tiene interés por descubrir propuestas nuevas y que además se entremezcla con otras propuestas. Por ejemplo, festivales como SXSW (Estados Unidos) o Primavera Sound (Argentina, España) tienen secciones para emergentes.
La banda argentina Él Mató a un Policía Motorizado es representativa de una estrategia indie exitosa. Sin el apoyo de grandes discográficas, han crecido a base de giras constantes por Latinoamérica y España, manteniéndose siempre fieles a su estilo. Venden ediciones especiales de sus vinilos y merchandising en sus conciertos y online, creando un culto con su público y sin necesidad de la proyección constante en el mainstream.
Desde 2023 se sostienen con 1.1 millones de oyentes mensuales en Spotify. Una cifra alta para una banda indie. Impulsados en parte porque uno de sus temas se volvió trend en TikTok, demostrando que incluso el indie puede beneficiarse de las redes sociales o quizás el indie es precisamente aquello que sucede en dichas plataformas.
Synthwave
El synthwave es un género nacido de la estética retro-futurista-ochentosa, con sintetizadores desafinados y ambientaciones cyberpunk. En los últimos años ganó popularidad gracias a su uso en bandas sonoras de películas, series y videojuegos de estética retro, así como por comunidades online que aman esa vibra vintage. Aunque sigue siendo un nicho relativamente underground, tiene una comunidad global muy dedicada en Internet y que cada día le juega más de cerca al pop mainstream en cuanto a su alcance, beneficiado también ahora por la I.A.
Una estrategia efectiva para el synthwave es integrar la música en proyectos multimedia que compartan la estética retro. Por ejemplo, colaborar con desarrolladores de videojuegos independientes de estilo pixel art o con YouTubers que realizan cortos animados de ciencia ficción. Muchos juegos indies de estética neo-80s buscan músicos synthwave para sus soundtracks, ya que encaja perfecto. Si lográs colocar un tema en un juego popular o en el video de alguna comunidad geek, tu música podrá pegar un salto importante.
YouTube, además de los pequeños cultos en Reddit, ha sido la cuna de la difusión del synthwave, con canales que ponen de moda ciertos tracks acompañados de visuales animados (loops de neón, autos deportivos bajo la luna llena, ciudades futuristas, recortes de videojuegos de 8 bits). Crear videoclips o visualizers para tus canciones es casi mandatorio. Si no tenés muchos recursos, incluso un video sencillo pero con buen gusto vaporwave (colores neón, arte digital tipo Outrun) puede resonar bastante, incluso aunque sea una tendencia un poco saturada.
El synthwave, vaporwave, retrowave, o como quieras llamarle a cada especificidad sonora o cultural, se mueve constantemente en Reddit, Discord, YouTube y Facebook, ahora está empezando a picar más fuerte en TikTok. Si participás activamente en estas comunidades podés tener un reconocimiento de nicho y utilizarlo como empuje para tus lanzamientos. Además, en 2025 se han retomado festivales temáticos de synthwave en algunas ciudades, como el Neon Retrofest de EE.UU.. ¿Qué deberías hacer? Buscá la lista de artistas que participan, contactalos y enviales tu música. Así de simple.
VØJ y Narvent provocaron un cambio de época con su exitoso “Memory Reboot” de 2023, siendo dos jóvenes post-adolescentes con un gran recorrido en este género. Establecieron un sonido propio que ahora es parte de la comunidad y que comparten latinoamericanos como Navjaxx, permitiéndose una constante expansión en TikTok, es decir, son virales a cada rato.
Ambos artistas, ucraniano y ruso respectivamente, combinan fragmentos de films y animé para sus videoclips o fan-videos que explotan literalmente en YouTube. Han utilizado recortes de Evangelion, Cowboy Bebop, Batman The Dark Knight, sin embargo, el climax audiovisual que estos dos chicos han generado en la audiencia fue con el uso de escenas de Blade Runner: 2049 para sus más icónicos tracks de synthwave, lo cual genera una sensación de que la saga de esas películas fue directamente hecha para sonar con esa música. Te sumo un dato, “Memory Reboot” por sí solo solo combina actualmente unas 400 millones de reproducciones en Spotify entre su versión original y las alteradas (slowed, sped-up y over slowed).
Piano Instrumental
La música instrumental de piano (y en general la música clásica contemporánea o neoclassical, ambient) ocupa un nicho especial en la era del streaming. A menudo es utilizada para estudiar, relajarse, meditar o dormir, lo que la hace muy apta para playlists funcionales y toda la cultura del wellness o mindfulness. El marketing para pianistas compositores se centra en explotar esos usos y en llegar a oyentes que quizá no sean “fans” de un artista en particular sino buscadores de momentos, placeres, sublimaciones.
Una estrategia efectiva es lanzar álbumes o EPs conceptuales diseñados para un propósito específico: por ejemplo, “Noches de…”, “Piano para…”, “Música para…”. Estos títulos, similares a las viejas playlists o mixes de YouTube, directamente indican al oyente cuándo usar esa música. Muchos artistas instrumentales crean series enfocadas en emociones o representaciones (tristeza, felicidad, amor, nostalgia) y también situaciones (estudio, relajación, navidad, relax, meditación). Esto también ayuda en el SEO de las plataformas, porque si alguien busca “piano relax” puede encontrar tu álbum titulado justamente así.
Spotify, YouTube y Apple Music poseen multitud de playlists curadas para wellness. Lograr entrar en una de estas puede disparar tus reproducciones, como hemos visto, por gente que no necesariamente te va a buscar a vos, ya que son consumidas en modo ambiental y casual por la mayoría de la gente. También podrías crear tus propias playlists mezclando tus temas con otros del estilo para atraer seguidores que buscan música casual.
En 2025, aplicaciones populares de meditación como Calm, Headspace o Insight Timer utilizan música de fondo en sus sesiones. Algunos artistas han licenciado piezas a estas plataformas o incluso compuesto pistas exclusivas para ellas. Contactar a los curadores musicales de apps de mindfulness o a canales de YouTube de música para relajación, puede abrirte una vía de difusión alternativa e incluso algunos contratos de sincronización.
Guillermina Perrino es una artista instrumental argentina que de manera independiente logró posicionar su música de piano en tiempo récord. Ella reconoce abiertamente haber utilizado la comunicación y, en especial, sus buenas habilidades para ello, llegando al público correcto sin intentar abarcar todos los espacios a la vez.
Dentro de su campaña de promoción y habiendo ingresado en una playlist editorial de Spotify, Guillermina admitió haber dado el paso de costear una X cantidad de regalías a obtener por adelantado con su propio dinero. ¡Se hizo su propio royalty advance! De este modo, ella asume que el dinero invertido, por ejemplo, en lograr cobertura con curadores en Groover, es el que debe volver como retorno y es para ello que concentra toda la campaña de su música, con audiencia que va de Brasil y Argentina hasta España.
Actualmente cosecha más de 10.000 oyentes mensuales, algo que podría parecer insólito para una pianista, sin embargo, es una prueba más de que la música instrumental y similares también ocupan una larga porción del pool de streaming.
Campañas en Spotify y Beatport
Para finalizar este largo artículo, es importante profundizar en dos plataformas que, cada una a su modo, son pilares de la industria musical digital en 2025 y también dos de las que yo personalmente he sacado más rédito: Spotify (en el terreno generalista/tendencista) y Beatport (en el nicho de la música electrónica, samples/loops y DJs). Entender cómo funcionan y cómo sacarles partido puede marcar la diferencia en tu carrera artística.
Spotify
Spotify ofrece tres vías para que tu música entre en playlists, cada una con tácticas distintas: las listas editoriales oficiales (curadas por el equipo humano de Spotify), las playlists de usuarios/artistas y las playlists algorítmicas generadas por el sistema (como Radar de Novedades). Lo ideal es apuntar a las tres. Pero como has visto en el ejemplo de Guillermina, se trata de planificar una estrategia que permita que personas/curadores adecuadas te puedan tener en consideración, quizás no ahora, pero sí para más adelante.
Spotify tiene un ecosistema en el que el mismo algoritmo es la información que vemos, como los oyentes mensuales, los streams y “tus fans también escuchan”. TODA esa información debe servirte para el análisis de datos cuando estás recorriendo perfiles de otros artistas similares a vos.
En mi blog vas a encontrar muchos artículos hablando sobre Spotify y hasta un Curso especializado, pero la tarea te toca a vos. Deberás concentrar tus esfuerzos en ver lo que te conviene para cada instancia, no es lo mismo la estrategia integral de un single que de un álbum, porque por ejemplo, Spotify te permite enviar a las playlists editoriales 1 sola canción nueva por lanzamiento y se trata aquí de que puedas utilizar esa herramienta de a una vez para cada canción.
Para crecer en términos algorítmicos necesitás logar que tu audiencia interactúe, no solo escuche tus canciones de vez en cuando. Si vas a postear también enlaces a otras plataformas, no esperes grandes resultados. Spotify valora el crecimiento sostenido, así que no te vuelvas loco por generar números poco factibles para tu trayectoria en la actualidad.
Beatport
La principal característica de Beatport son sus charts. Top 100 generales y por género, actualizados cada día según ventas. Estar en el Top 10 de tu categoría en Beatport puede ponerte en el radar de muchos DJs internacionales que chequean esos rankings todas las semanas para armar sus sets e incluso para firmar artistas para sus propios sellos. Por eso, una estrategia central es lograr presencia en los charts de Beatport. ¿Cómo? Primero, como mencionamos, lanzando música con sellos que tengan cierta tracción en la plataforma. Muchos sellos envían e-mails promocionales a DJs y hacen campañas durante la semana de lanzamiento para empujar las ventas en Beatport.
En 2009 fundé mi propio sello Dbeatzion Records, y logré cerrar acuerdos con diversos DJs reconocidos como Eddie Amador muy pronto. Todo se trata de rodearse de los artistas indicados y colaborar constantemente para que todos crezcan a la par. En 2012 lancé varios compilados con los más talentosos productores de Serbia, para luego comenzar a desarrollar el deep house de Europa del Este (Rusia, Ucrania, Bulgaria, Croacia, etc). Todo esto me ha sido posible gracias a Beatport.
Otra estrategia es aprovechar las etiquetas y subgéneros. Beatport tiene muchísimas categorías y ubica tu track en el subgénero donde pueda destacar más. Por ejemplo, si tu tema es un downtempo house que podría quedar opacado en el enorme pool de “house”, quizás etiquetarlo como “organic house” (más nicho) lo lleve a un chart donde suba más alto. Otro género que está saturadísimo actualmente es el Tech House, donde también podrías considerar un nicho similar.
Mencionemos de nuevo a ANNA, la DJ brasileña. Ella utilizó Beatport consistentemente para lanzar sus producciones, enfocándose en techno melódico de alta calidad. Muchas de sus pistas llegaron al #1 del chart techno en Beatport, dándole visibilidad mundial en la comunidad de DJs. Fue reconocida como artista del mes en Beatportal y ganó premios, lo que la catapultó a giras internacionales. Su caso demuestra que tener presencia fuerte en Beatport puede traducirse en bookings y fama global en la escena electrónica, incluso antes de acumular millones de streams en Spotify.
Resumen del artículo
El panorama del marketing musical en 2025 exige a los artistas ser más polifacéticos que nunca (lo siento, pero es así). Hay que saber construir una marca personal, nutrir a la audiencia constantemente con contenido de calidad y utilizar inteligentemente tanto las nuevas tecnologías como las viejas confiables de forma integrada.
No existe una fórmula mágica y no le creas a nadie que te la quiera vender.
Sí existen principios rectores: conectar con la gente, no poner distancia, mantenerte presente y consistente, colaborar estratégicamente con otros creadores y adaptarte a las tendencias de manera inteligente, sin quejarte u oponerte. Las historias de éxito que abundan, desde el productor que saltó del anonimato gracias a TikTok hasta la banda indie que llena teatros mediante el boca a boca, nos recuerdan que el público, al final, recompensa la música y la memoria episódica que los mueven.
Por eso, más allá de algoritmos y gráficos, el centro del marketing musical sigue siendo la conexión humana, un concepto más bien antropológico. Las herramientas evolucionan. Hoy es Spotify, ayer fue MTV, mañana quizá el Metaverso (espero que no), pero un artista que sabe relatar historias y llega a su audiencia sabrá siempre cómo promoverse, en 2025 y en el futuro.
